Noticias!

Gente! No hay internet! Así que responderemos con demora todas las consultas que nos envíen, como así también seguiremos subiendo programas... Les prometo todos los sintetizadores standalone que tenemos a disposición (todo un arsenal de síntesis).
Saludos a todos!

Técnica Vocal

Muchos cantantes son músicos de otros instrumentos que toman la iniciativa por algún motivo y se hacen cargo de la voz, o simplemente son personas que cantan porque les gusta y les sale bien. Siempre es importante adquirir algún tipo de formación para la compresión de la forma en la que el sonido es emitido por nuestro cuerpo.

Acá les ponemos a disposición un puñado de cosas que pueden servirles:
* un documento de introducción al canto.
* un documento de introducción al Método Alemán de canto.
* un documento de introducción a la vocalización.
* Curso de Técnica Vocal de Omayra Martínez (1).
* Método Alemán de canto (2).
* Ejercicios de vocalización.

(1) Omayra Martínez
Es una cantante excepcional que se ha destacado tanto en el canto lírico como en el bel-canto y entrenamiento clásico a distintos estilos de una manera saludable y efectiva. Sus talleres de canto son ya famosos y en este proyecto pone sus conocimientos al alcance de todos. Este programa podrá ayudarles a desarrollar la misma técnica utilizada por los profesionales permitiéndoles cantar con una voz fuerte, clara y flexible.

(2) Método Alemán
Es el método utilizado por los cantantes más exigentes del planeta. Está ideado para aprender de manera rápida y fácil. Se creó para desarrollar, reforzar, mantener y mejorar la voz cantada utilizando una técnica de fácil asimilación y resultados sorprendentes.
La guía de entrenamiento encierra los conceptos básicos y técnicos que beneficiaran más allá del género musical preferido para cantar (pop, rock, metal, jazz, coral, rap, gospel, latino, cumbia, hip-hop, etc).

Recuerden, bajar acá.

Propuesta!!

Anteriormente les comentamos que en este relanzamiento del Proyecto Karma tenemos muchas ideas para desarrollar, muchas de las cuales requerirán de su participación.
Como parte de esto, les traemos una propuesta. Tenemos una canción pop escrita en formato MIDI para que ustedes le pongan la letra que quieran; de las letras que nos envíen, elegiremos la que mejor se adapte y más nos guste para grabar el tema en formato real. El archivo MIDI es sólo para guiar a quienes se sumen a esta actividad. El ganador podrá tomar parte en el proceso de grabación, si está de acuerdo, poniéndole su propia voz, o proponiendo una voz acorde.
El tema es el que se encuentra debajo, y si querés tenerlo en tu computadora, mandanos un mail.

Rompiendo barreras...

Como muchos se habrán enterado a través de nuestro Facebook, hay posibilidades de acceder a un medio radial con un espacio propio, por lo cual en breve estaremos diseñando nuestro proyecto y convocaremos gente para colaborar y poder ser parte de esto.
También estamos en tentativas de comenzar un programa piloto online, con intenciones concretas de trascender en TV. A medida que vayamos avanzando en esto también podrán tener acceso a los contenidos a través de la web.
Y finalmente, también es bueno anunciarles que en poco tiempo vamos a disponer de clínicas de teoría básica para que puedan tomar su propio impulso y componer con estas herramientas.
Siempre, llevando la música donde podamos. Siempre, tratando de dar lo mejor.

Acústico informal

Sepan disculpar que los dejé abandonados, queridos lectores de mi blog... intenté inventar alguna excusa, pero no encontré ninguna!
Les quería avisar que estoy preparando una clínica básica de composición para que puedan acceder a conocimientos sencillos y utilizarlos para su propias canciones. Pronto estaré publicando algo de esto.
Y de paso, también quería dejarles un video editado que corresponde a una canción que estuve tocando en una ocasión informal frente a un puñado de amigos. Lo edité bajo el pseudónimo "Ariel de Argent" con el cual separaré mis proyectos acústicos de los eléctricos y formales. Dado que salió bastante bien, les prometo pronto colgar algunos más que vaya grabando, incluyendo canciones propias.

Cakewalk Studio Instruments

Este pack de Cakewalk está diseñado para que puedas usar la compu como diferentes instrumentos. Utilizando las pistas preseteadas o con el dispositivo MIDI que tengas, podés simular con los cuatro plugins que incluye (los cuales funcionan como programas independientes "standalone" o con plataformas de edición).

Al Drum Kit (batería) le podés cambiar los platillos, setear los cuerpos con el sonido que más te guste, cambiar la afinación, el paneo y el ambiente.
Con el Bass Guitar (bajo eléctrico) podés usar las dos bobinas que trae y toquetear los potenciómetros como si fueran reales.
El Electric Piano (piano eléctrico) dispone de tres efectos que podés usar o no para conseguir el sonido eléctrico que más te guste.
Y finalmente con String Section (sección de cuerdas) podés hacer los arreglos de cuerdas más reales ya que dispone de cello, viola y violín.
Son muy fáciles de usar, se pueden almacenar los presets que vos mismo crees y podés insertarlos en cualquier pista de audio para que los agregues a tus producciones.

BAJALO ACÁ!
Parte 1 - Parte 2

Querés sonar como los famosos?

La mayoría de los guitarristas clásicos y de la actualidad son conocidos por su particular estilo para tocar, y el sonido que utilizan se vuelve característico. Algunos usan simples distorsiones de sus equipos, otros utilizan pedales de efectos para añadirle diferentes matices y rasgos que harán a su contribución en la banda.

En pocas palabras, la guitarra es el instrumento que más efectos utiliza (obviando los sintetizadores).

Pero sabemos que en la actualidad, en la situación en la que nos toca vivir en el país, estamos muy limitados a la hora de acceder a muchos pedales de efectos, e invertir en algunos básicos para el rockero nos costaría un par de miles, sin contar la dificultad para conseguir los que nos interesen, y dejando de lado los amplificadores y la mismísima guitarra en sí.

Por eso, para muchos de los que están iniciándose en la música, la solución son las pedaleras multiefectos, que tienen la particularidad de emular efectos de manera digital, muchas veces logrando similitudes importantes con los pedales originales o amplificadores.

Podemos acceder a diferentes tipos de compresores, wahs, distorsiones, ecualizadores, amplificadores, delay, reverb, chorus... todo con una inversión no tan grande y en un solo módulo, muchas veces equipado con pedal para manipular la expresividad del efecto deseado. Podemos presetear los sonidos más empleados, y con un par de pisadas, ya tenemos la configuración de efectos que queremos.

Ahora, cómo sonar como los guitarristas más populares? Cómo buscar el sonido que te identifique, o que la canción necesite?

Esto sin dudas puede ayudarte: Guitar Patches.

Qué es? Es una página donde se han compilado configuraciones para diferentes pedaleras para poder sonar como los famosos. Espero que les sirva!

En nuestra próxima entrada:

Native Instruments Guitar Rig, Peavey ReValver MkIII, Waves GTR, y otro software para guitarristas.

Info actualizada

Bueno, hacía bastantes días ya que no escribía... así que retomo contacto para contarles que el proyecto de grabación de mi demo está avanzando bastante bien, en pocos días estaré grabando la parte de acústicos.
También les cuento que el día 14 de Febrero me voy a estar presentando con dos músicos invitados en una Feria de Diseño en la ciudad de Santo Tomé. Estaré tocando temas en formato acústico, de autoría propia y algunas reversiones de temas internacionales.

Otra cosa que quería dejarles hoy es sobre la composición. A veces para componer un buen tema sólo hacen falta cuatro acordes, como bien lo demuestra el trío humorístico "Axis of Awesome", oriundo de Australia, que en esta versión de estudio de su mix enseñan que con una progresión de acordes sencilla y popular (I, V, VI, IV) se han compuesto muchas canciones realmente exitosas. Les dejo el video.

LEY NACIONAL DE LA MÚSICA

El siguiente texto es un resumen del proyecto de Ley Nacional de la Música.

La elaboración de esta Ley tiene como objetivo que sea el Estado quien promocione, estimule y apoye a la actividad musical en general, y la considerada de carácter nacional en particular, por su contribución al afianzamiento de la cultura.
Particularmente se trabajará con las actividades que se desarrollen en las siguientes áreas:
a) Las que tengan relación directa con el público, en función de un hecho musical (Música en Vivo).
b) Las que tengan relación directa con la grabación de fonogramas o videogramas que lleguen al público a través de soportes físicos, medios de comunicación o vía digital. (Producción de Música Grabada).
c) Las que directa o indirectamente se vinculen a la enseñanza, instrucción o investigación musical. (Enseñanza del Arte de la Música).
d) Las que tengan relación directa con la difusión de un hecho musical (Difusión), y
e) Las que tengan relación directa con la promoción de eventos culturales y sociales vinculados a un hecho musical (Promoción cultural y social).

Esta ley crea el INSTITUTO NACIONAL DE LA MUSICA que funcionará como ente público no estatal (es así como se denomina técnicamente a este tipo de estructuras) dentro del ámbito de la SECRETARIA DE CULTURA de la PRESIDENCIA DE LA NACION y tendrá autarquía administrativa, técnica, funcional y financiera con jurisdicción en todo el territorio de la Nación.
Será conducido y administrado por el Directorio (Director y Subdirector), la Asamblea Federal y el Comité representativo.
El Director contará con una serie de funciones y atribuciones descriptas a lo largo de la ley.
La Asamblea Federal estará presidida por el Director del Instituto e integrada por representantes de todas las provincias y de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
El Comité representativo estará integrado por miembros de distintos sectores: autores, intérpretes, productores fonográficos nacionales (independientes y no), músicos nacionales, escuelas de enseñanza musical, etc.
El Comité representativo tendrá como funciones aprobar o no al Coordinador General de cada sede, subsede o delegación del Instituto propuesto por la Asamblea Federal y aprobar o rechazar los actos realizados por el Director.

El INSTITUTO NACIONAL DE LA MUSICA contará con una sede en cada región cultural, y se podrán crean subsedes y delegaciones.
Cada una de las sedes, subsedes o delegaciones contará con al menos seis (6) departamentos organizados de la siguiente manera:
Un Centro de la Producción Musical que se hallará conformado por
1) Departamento de Música Grabada.
2) Departamento de Música En Vivo
3) Departamento de Difusión.
Los siguientes departamentos son:
4) Departamento de Formación Integral del Músico,
5) Departamento de Promoción Cultural-Social, y
6) Departamento de Subsidios y Créditos.
En cada sede, subsede y delegación se generará una fonoteca de los fonogramas editados por músicos de su región y cada sede tendrá como función, también, organizar el censo de Músicos de su zona.

Los Centros de Producción Musical estarán integrados por representantes de las organizaciones de músicos de cada región (para el Centro de Música Grabada,
Centro de Música en Vivo y Centro de Difusión) y además con representantes de espacios donde se ejecute música en vivo (para el Centro de Música en Vivo) para conformar un circuito estable de música. Es por eso que insistimos en la necesidad que se conformen asociaciones de músicos con personería en cada una de las provincias.
Dichos Centros darán Vales de Producción y Vales de Difusión.
El Vale de Producción es una orden pura y simple de canje para solo una de las instancias del proceso de producción de Disco Nacional o Videodisco Nacional
realizada por Músicos Independientes Nacionales a fin de beneficiar al proyecto artístico con una producción técnica prestada con herramientas profesionales.
El proceso de producción se distingue actualmente en las siguientes instancias: Grabación, Mezcla, Masterización, Programación interactiva, Edición, Tutoría de Videogramas, Impresión de gráfica, Replicación y cualquier otra instancia y herramientas que surjan en lo sucesivo.
El Vale de Difusión es una orden pura y simple de canje para que los espacios donde se desarrolle música en vivo y formen parte del Circuito Estable puedan acceder a los medios de comunicación, difusión y publicitarios ya sean privados o estatales nacionales, provinciales, municipales o del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires a fin de hacer conocer al público en general la música en vivo que desarrollará en los espacios que conformen los Circuitos Estables.

El INSTITUTO NACIONAL DE LA MUSICA deberá organizar y programar actividades musicales de interés cultural y/o educativas en todo el territorio nacional, las cuales generen un contacto directo con sectores sociales que tengan un acceso nulo o deficiente al circuito convencional.
A través de cursos, charlas, seminarios u otras actividades de formación el Instituto deberá promover en cada una de las sedes y subsedes el conocimiento entre los músicos de los alcances de la propiedad intelectual, de las instituciones de derechos de gestión colectiva, sus derechos como trabajadores, así como de aquellas instituciones que defienden sus intereses y derechos.

El INSTITUTO NACIONAL DE LA MUSICA a través del Departamento de Subsidios y Créditos subsidiará u otorgará créditos a proyectos que contribuyan al desarrollo de la actividad musical en lo cultural, artístico, técnico e industrial permitiendo el ejercicio del arte de la música.-
Asimismo la ley incluye que:
a) Cuando un Músico Extranjero se presente en el ámbito del territorio nacional a ejercer el arte de la música en las diversas tipificaciones indicadas en la presente ley, su Contratista, Empleador o el propio Músico Extranjero en caso de ser Autogestionado deberá abonar al INSTITUTO NACIONAL DE LA MUSICA el cinco por ciento (5%) de la recaudación bruta.
b) En ocasión de que un músico extranjero presente un espectáculo en el ámbito del territorio nacional, previamente al acto y con una antelación no mayor a las 2 (dos) horas de inicio de dicha presentación, un Músico o Agrupación Nacional deberá contar en el evento con un espacio no menor a los 30 minutos para ejecutar su propio repertorio. Esta institución obtendrá el nombre de "Actuación Necesaria de Músico Nacional".
c) La creación de un fondo de fomento a las actividades culturales.

Para más información pueden consultar la página de la cual fue extraído el resumen, Músicos Argentinos Convocados, o ver el texto completo acá.

Yo apoyo a la Ley Nacional de la Música.

Prácticas individuales

Algo q define mi estilo como músico es la versatilidad que con el paso del tiempo voy adquiriendo. Seguramente, estaría lejos de mi alcance pensar en esto si no hubiera implementado mi propio plan de prácticas. Hoy se encuentran disponibles muchos recursos que podemos aprovechar los que queremos mejorar nuestras habilidades.
Los libros especializados en determinado estilo abundan, existen las revistas para cada instrumento, por lo general, con CD incluido, y por si fuera poco hay videos con tutoriales en cualquier página web. Cualquiera de estos recursos es bueno para estimular la mente musical y acercarnos progresos importantes si los incorporamos en un régimen de prácticas individuales.

Para comenzar, hay que reconocer dónde estamos parados y dónde queremos llegar. Yo particularmente, tengo la idea de que uno tiene que plantearse objetivos y orientar las prácticas hacia el mismo.
Por ejemplo, muchos no saben leer música, otros no saben improvisar, algunos quieren conocer acordes nuevos e inversiones, o aprender a componer. Es importante que uno se tome el tiempo necesario para evaluar estos puntos, así se evitan molestias. Para los que asisten a un profesor, es bueno comunicarles los objetivos.

Hecho lo anterior, el siguiente paso es determinar qué tipo de recursos vamos a utilizar en nuestras prácticas.
Por ejemplo, para entrenar el oído, improvisar, o tocar en bandas, lo más recomendable son los CD's. Hay muchos que incluyen ejercicios para "tocar con". Si lo que queremos es ampliar nuestro conocimiento sobre la teoría musical o incrementar nuestra habilidad en general, podemos utilizar recursos literarios. Y si lo que necesitamos es centrarnos en la técnica, o buscar inspiración para componer, los videos son una herramienta por de más de útil.
Es importante que conozcamos todo lo que tenemos a nuestro alcance para trazar nuestra guía de prácticas y encontrar el sistema que mejor nos funcione.

No hay que olvidar que lo que más sirve es practicar, tocar. Esa es la mejor forma de aprender. Sea sólos, como invitado con otros músicos, o con una banda fija. Prestar atención a los músicos y bandas en vivo es otro elemento que hay que sumar. Escuchar mucha música, y escuchar las canciones o discos que nos gustan con mayor atención de la normal, y también conocer música nueva. Todo lo que hagamos sirve, por supuesto.

En particular, mi método de práctica, el mismo que utilizo para enseñar, consta de varias partes que se interrelacionan.
Yo dedico unos minutos a leer noticias musicales todos los días, curiosidades sobre músicos y bandas, actuales e históricas, conocidas y otras no tanto, locales e internacionales. Mientras leo, estoy constantemente escuchando música; mis gustos son variados, pero en lo que refiere a mi instrumento base, los teclados, tengo preferencias por escuchar Dream Theater, Nightwish, The Doors, Charly García, Andrés Calamaro, Catupecu Machu. Siempre trato de visualizar mentalmente lo que hace el que está tocando. Trato de poner mentalmente las manos sobre el instrumento e imaginar cómo se van moviendo los dedos allí a medida que la canción suena. Si tengo alguna canción que no conozco, por lo general, trato de "predecir" adónde irá el siguiente movimiento. Encuentro interesante también leer la historia de algunos músicos o bandas, como así también, leer sobre los instrumentos y las novedades que van surgiendo y se incorporan a los mismos.
Para perfeccionar la técnica, o mejor dicho, desarrollar mi propia técnica trato de incorporar nuevos conocimientos continuamente. Estudiar la teoría musical es una fuente inagotable de ideas prácticas para avanzar sobre una técnica, única en cada músico. Yo soy defensor de que cada uno tiene su propio estilo para tocar, y creo que si basamos nuestra forma de tocar el instrumento en la teoría y la técnica que se desarrolla a partir de allí, no hay parámetros para medir la ejecución, sino que se van a marcar matices de estilos derivadas de las preferencias y la técnica desarrolladas. A este tipo de prácticas le suelo dedicar, por una cuestión personal, no más de media hora por día, y dos horas en fines de semana.
Un punto muy importante es la adquisición de un buen oído musical. Esto no se refiere a gustos particulares ni intereses sobre un estilo de música, sino más bien, el entrenamiento del oído para, en primer lugar, identificar los sonidos y relacionarlos con las notas, interpretar los acordes y las escalas, para finalmente poder escuchar una pieza musical y luego ejecutarla con sencillez. A esto le dedico siempre una hora los fines de semana. Tocar con los ojos cerrados es un gran recurso para conocer la posición de los dedos y la ubicación de cada nota en el instrumento.
Los ritmos siempre van de la mano con la velocidad de un tema, y son muy interesantes de estudiar, no tanto en la cuestión teórica, sino más bien en lo que refiere a los bpm. Para esto, yo estoy continuamente, ya casi inconscientemente, midiendo todos mis movimientos sobre el teclado en "múltiplos". Sí, me escucharán seguido repetir que "la música es lógica" y es "pura matemática". Por definición, la duración de los tiempos son múltiplos (recordar: redonda 4 tiempos, blanca 2, negra 1, corchea 1/2, semicorchea 1/4, fusa 1/8, semifusa 1/16), así que a veces, al tocar, suelo aumentar o disminuir el tempo según mi interés. Y, claro está, el desafío automático es seguir respetando la velocidad. Yo pienso que relacionar cada nota, por ejemplo, con otro de los instrumentos de acompañamiento es lo mejor; si no existen otros instrumentos, se pueden utilizar metrónomos, acompañamientos automáticos de los teclados, pedaleras, o computadoras; en caso de no querer o no poder hacerlo (yo ya desistí de hacerlo para mis prácticas), tratar de "marcar" el tempo con un leve movimiento de un pie, o con la cabeza, o seguirlo mentalmente suelen ser los recursos más utilizados. En estos casos hay que tratar de ser constantes y regulares con las "marcas".
Cuando yo todavía iba a clases de música, me acuerdo que detestaba el solfeo. Me parecía siempre algo ridículo. Pero viéndolo de otro modo, la lectura e interpretación del lenguaje musical a tiempo real (esto es tocando, o solfeando con metrónomo) es una de las ayudas más grandes que nos podemos dar para ser más hábiles. Hoy por hoy, siendo sincero, no soy el tipo que suele escribir una canción en partituras al componer, sino que garabateo en cifrado americano en una hoja cuadriculada. Sólo escribo las partituras una vez que las piezas están terminadas, y luego las escribo en MIDI, para dejar un registro musical en la computadora. Pero la habilidad de poder leer e interpretar juega un papel importante en la vida del músico. No es una de las cosas más interesantes que tenga el aprendizaje, pero por lo general, le doy media hora por semana a esto.
Una de las cosas más lindas que se pueden disfrutar como músico es la posibilidad de sentarse a tocar con otros músicos y "zapar", improvisar partir de lo que se ocurra en el momento. Pero también sirve para poder aplicar ahí todo lo que vamos aprendiendo. Claro está que uno tiene q tener cierta práctica con esto. Mis sesiones de improvisación son la parte que más detesto. Porque es el momento donde puedo medir mis avances y conocer mis trabas, porque cuando algo sale mal ("suena mal"), así sea sólo un fraseo, un par de notas, me veo en el compromiso (autoimpuesto) de volver a empezar la improvisación desde cero. Se puede empezar eligiendo un acorde. A partir de allí, jugar con la escala. Tocar, tocar y tocar. Ver qué sirve y que no sirve. Después elegir una progresión, y también, jugar con las escalas. Hasta que, a medida que avanzamos, vamos imaginando "qué sigue a qué", y buscamos siempre la armonía. La improvisación es el paso previo a la composición. Como dije antes, ver qué sirve y qué no... Cuando encontramos algo que sirve, lo anotamos. De cualquier forma, con letras, con dibujos sueltos en el pentagrama, anotando las escalas, lo que sea que nos ayude a identificar lo que tocamos para poder repetirlo luego. Algo muy interesante es tomar canciones que no tengan una participación activa de nuestro instrumento y agregarle "cosas", a medida que el tema suena. Hacer esto es lo que nos permite llegar a componer en grupo, o solos. No hay tiempo para esto.
Como dije al principio, todos estos puntos se interrelacionan, así que no es necesario hacerlos por separado, sino que generan mejores resultados si los podemos hacer al mismo tiempo, incorporar todos lo que vamos aprendiendo en una sola sesión de prácticas, semanal. Con dos horas alcanza.
Tocar es lo que siempre hay que rescatar. Escuchar mucha música, con atención. Y disfrutar!